"TAB보 그대로밖에 못 친다."
"내 소리가 기계적으로 들린다, 애드리브가 정해진 형태로만 나온다."
이것들은 기타리스트라면 누구나 한 번은 느끼는 벽이 아닐까요.
"어떤 앰프로, 어떤 기타를 건네받아도 내 소리가 난다"
그렇게 말하는 토모 후지타 씨에게 그 벽을 돌파하는 열쇠를 들어봤어요.
TAB보로부터의 탈출
ーー 기타 교칙본이라고 하면 테크닉 부분이나 팁 요소가 많다고 생각하는데, 토모 후지타 씨의 책에는 음악의 본질적인 부분이 쓰여 있다는 느낌이 들었어요. 기타는 음악을 연주하는 것이라는, 어찌 보면 당연한 사실을 다시 확인할 수 있는 책이네요.
토모 후지타: 버클리에서 가르친 경험 중 잘 전달되지 않는 부분을 CD로 전달하고자 이 책을 썼어요. 하지만 스케일※1을 치는 법이나 블루스 프레이즈 같은 건 별로 쓰여 있지 않아요. 귀와 감성으로 기타를 치기 위해 중요한 건 그런 게 아니거든요.
※1 tips: 스케일
어떤 기준음에서 정해진 규칙에 따라 배열된 음의 그룹. 곡의 멜로디와 코드의 토대가 된다.
ーー 그런 게 아니다. 기타를 시작할 때 스케일이나 프레이즈를 외우는 것부터 시작하는 사람이 많을 것 같아요. 하지만 그건 본질이 아니다라는 말씀이신가요?
토모 후지타: 맞아요. 기타 연습이라고 하면 TAB보를 보는 사람도 많죠? TAB보로 치거나 스케일, 프레이즈를 외우는 건 칠 줄은 알아도 의미는 모르는 상태예요. 무슨 음을 치고 있는지, 무슨 코드를 치고 있는지 스스로 모른 채 치고 있는 거죠. 형태만 외워서 시각적으로 파악해 치게 되는 거예요. 그게 아니라 귀로 치고 싶은 거예요.
ーー 저도 뼈저리게 느끼고 있어요(웃음). 새로운 프레이즈를 생각해내고 싶을 때, 그냥 손가락만 움직이는 연주가 되어버려요.
토모 후지타: 그럴 때는 자유도를 "제한"하는 게 좋아요. 예를 들어 저는 버클리에서 애드리브를 가르칠 때 "12프렛 위쪽은 건드리지 말라"고 가르쳐요. 왜냐하면 높은 음은 화려하니까요. 써버리면 만족감을 얻게 돼요. 칠 줄 아는 것 같은 착각에 빠져버리죠. 그걸로 만족해버리면 거기서 끝이에요. 끝이라는 건, 여기서 2년을 해도 똑같다는 뜻이에요.
그럼 어떻게 하면 되냐면, 예를 들어 "한 줄만" 쓰는 거예요. 12프렛보다 낮은 곳에서 무슨 음이 나고 있는지 꼼꼼히 파악해가는 거죠.
ーー "형태"로 외우는 게 아니라, 한 줄 위를 이동하면서 "도레미의 음 울림"을 귀로 캐치해가는 감각이라는 건가요.
바로 그거예요! 그게 바로 "귀로 친다"는 것. 형태로 외우면 되는 게 아니에요. 스케일도 마찬가지예요. 이 스케일만 울리면 된다는 건 좋지 않아요. 그래서 기타는 빨리 배우면 배울수록 정체돼버려요.
감성 부분은 역시 악보에 얽매이지 않는다는 것 같아요. 제가 『3음으로 기타를 정복하는 트라이어드 어프로치』를 썼을 때도, 이 악보는 연주하고 나서 썼어요. 악보를 쓰고 나서 하면 딱딱해지니까요. 전부 녹음하고 나서 악보로 만들어요.
기타 한 대로 소름을
ーー 토모 후지타 씨의 기타는 기타 한 대인데도 음악으로 들려요. 백킹이 들리는 것 같고 그루브도 느껴지는 것 같아요.
토모 후지타: 맞아요. 그게 바로 음악의 매력이에요. 듣기만 해도 소름이 돋지 않으면 안 돼요. 이상한 말이지만, 제 연주에 소름이 돋지 않으면 재미없어요.
ーー 확실히 그렇네요. 그러기 위해서는 어떤 연습을 해야 할까요.
토모 후지타: 그러기 위해서는 쉽고 편한 걸 전부 그만두고 귀찮은 기본을 먼저 해야 해요. 첫걸음은 토대 만들기예요. 담배나 술을 끊는 것과 비슷해서 꽤 힘들지만요(웃음).
아까 이야기와도 통하는데, 먼저 TAB보를 보지 않도록 해요. 유튜브에서 연주 영상을 보고 있다면 보면 안 돼요. 저는 유튜브를 보고 배울 때 보지 않고 소리만 녹음해요. 보면 운지를 알게 되니까 재미없거든요.
ーー 연습이라도 정말 "귀로 친다"는 거네요. 그럼 귀찮은 기본이란.
토모 후지타: 귀찮은 기본이란 역시 손가락이 움직이지 않으면 연주할 수 없으니까 기초적인 연습이에요. 지극히 평범한 운지 연습이에요. 책에도 꽤 자세히 써놨어요. 그런데 다들 쉬운 기초 연습이라고 생각하고 건너뛰어버려요. 의식하는 걸 바꾸는 것만으로 의미가 완전히 달라지니까 정성껏 하는 게 중요해요.
ーー 의식하는 걸 바꾼다는 건 구체적으로 어떻게 의식을 바꾸는 건가요?
토모 후지타: 많은 사람들이 템포를 우선해서 쳐야 한다고 생각하기 쉬워요. 그게 아니라 천천히, 정성껏 음을 늘려 이어가듯이 의식하는 거예요. 그리고 전부 다운피킹으로 해야 해요. 다들 얼터네이트 피킹으로 하잖아요. 그러면 어려워져서 좋지 않아요.
그게 되면 다음은 소프트하게 쳐요. (피킹의 힘을 약하게 해서 에어컨 소리가 들릴 정도로 작은 음량으로 연주를 시작한다.)
ーー 대단하네요. 들릴 듯 말 듯한 정도의 소리네요.
토모 후지타: 제가 소프트하게 치면 대체로 에어컨 소리가 들려요(웃음). 에어컨 소리보다 작은 소리. 이걸 앰프에서 내는 거예요.
ーー 평소 칠 때는 에어컨 소리 같은 건 전혀 의식하지 않았어요.
토모 후지타: 그렇죠. 그다음은 음계를 내려가는 "하강"이에요. 하강은 상승할 때보다 더 천천히 쳐야 해요. 하강할 때 상승과 같은 템포로 하면 노이즈가 생겨요. 상승은 천천히, 하강은 더 천천히 쳐요.
이런 기초 연습을 하면 다이내믹스의 폭이 넓어져 뉘앙스 표현이 풍부해져요. TAB보를 보고 치는 사람은 이런 연습을 건너뛰어버려서, 힘이 들어간 상태로 연주 같은 걸 해버리니까 연주가 안 되는 거예요.
ーー 그렇군요. 확실히 악보를 따라가며 같은 세기로 손가락만 움직이는 상태를 연주하고 있다고는 하기 어렵네요. 그럼 그 기초 연습은 꽤 오래 하는 게 좋은가요?
토모 후지타: 아뇨, 5분이든 10분이든 괜찮아요. 몇 시간씩 하는 것보다 꾸준히 계속해서 습관으로 만드는 게 좋아요.
ーー 역시 귀찮아지면 계속 못 하니까요. 그 연습에서 그 밖에 주의할 점이 있나요.
토모 후지타: 헤드폰이나 기타의 생소리로 이 연습은 하지 않는 게 좋아요. 왜냐하면 안 들리니까 자기도 모르게 세게 치게 돼요. 앰프에 연결해서 같은 세기로 치면 꽤 시끄럽게 느껴져요. 아무튼 소프트하게 치는 게 중요해요.
재밌는 건 저는 셀룰로이드 피크를 쓰는데, 셀룰로이드는 세게 치면 깨져요. 한 번 세게 쳐볼게요. 보세요. (강하게 코드 스트로크한 뒤, 크게 닳은 피크를 보여준다.)
ーー 아니, 순식간에 이렇게 닳아버리나요.
토모 후지타: 셀룰로이드는 타는 소재라서 금방 닳아버려요. 소리가 별로다 싶을 때 라이브가 끝나고 피크를 보면 꽤 닳아 있어요. 역시 초조해지면 힘이 너무 많이 들어가버려요. 딱딱한 피크로 하면 눈치채기 어렵죠. 오늘도 좋았다, 로 끝나버려요. 저는 라이브가 끝나면 피크를 보고 반성해요. 좀 너무 세게 쳤나, 하고. 숙취로 좀 많이 마셨나, 하는 것처럼요(웃음).
ーー 그렇군요(웃음). 그런데 생으로 소리를 듣고 있으면 이 다이내믹스의 섬세함은 유튜브나 앰프 시뮬레이터로는 다 재현할 수 없지 않을까 싶어요.
토모 후지타: 그게 테크놀로지의 어려운 부분이에요. 확실히 깔끔하게 녹음은 되는데 뉘앙스가 안 나와요.
ーー 계속 컴프레서가 걸려 있는 것처럼요.
토모 후지타: 맞아요, 바로 그거예요. 그러니까 반대로 말하면 좀 세게 쳐도 나쁜 연주로 안 들려요. 그 위에 EQ를 만지거나 둥글게 다듬거나 이펙트를 걸면 좋은 소리가 나버려요. 하지만 생으로 사람들에게 들려주고 소름을 돋게 하려면 이 다이내믹스 연습이 정말 큰 힘이 돼요. 특히 솔로 기타 같은 건 알기 쉽죠.
그 자리의 분위기를 바꾸는 기타를 치려면 애초에 토대를 다지는 게 중요해요. 손가락에 힘을 주지 않고 손가락 노이즈가 나지 않도록. 이건 역시 앰프를 쓰지 않으면 알 수 없는 거예요.
ーー 역시 집에서 하는 기초 연습도 되도록 앰프로 하는 게 좋겠네요.
토모 후지타: 그렇죠. 예를 들어 제가 학생 때 Champ 12라는 앰프를 처음 샀는데, 그 앰프에는 볼륨이랑 트레블, 베이스밖에 없어요. 역시 다이내믹스를 연습하고 싶어서 그 앰프로 좀 특이한 연습을 했어요.
ーー 어떤 연습인가요.
토모 후지타: 볼륨은 크게, 베이스는 0, 트레블은 10으로 해놓고 했어요.
ーー 우와, 치는 게 무섭네요(웃음).
토모 후지타: 그것도 그 세팅으로 밤에 연습해요. 큰 소리를 내면 당연히 민폐니까, 그게 또 연습이 됐죠. 하지만 그 덕분에 어느 정도 볼륨을 올려도 소프트하게 치면 생소리로 평범하게 칠 때와 비슷한 소리를 낼 수 있게 됐어요.
ーー 이웃 민폐가 되니까 앰프는 집에서 못 쓴다는 사람도 할 수 있는 연습법이라 좋네요.
토모 후지타: 맞아요. 저는 이런 걸 옛날부터 단련해왔기 때문에, 뭐가 강하냐면 어떤 앰프, 어떤 기타를 건네받아도 제 소리가 나요.
환경이 빚어낸 나만의 무기
ーー 그 뿌리랄까, 그런 사고방식은 어디서 온 건가요.
토모 후지타: 제가 미국 동해안에 살았던 게 크다고 생각해요. 뉴욕은 택시로 클럽과 클럽 사이를 이동하니까 큰 장비를 못 가져가요. 장소에 따라서는 이미 앰프가 놓여 있어서 이펙터랑 기타만 메고 가요. 그러면 숄더백으로 갈 수 있으니까요. 그 적은 장비만으로 나를 표현하기 위해 고민한 결과였던 것 같아요.
ーー 환경이 관계가 있었군요.
토모 후지타: 맞아요. 일본에 있을 때는 훨씬 여러 가지를 쓰고 있어서 큰 보드였는데, 점점 작아져 갔어요.
ーー 장비가 없어도 자신의 사운드를 표현할 수 있게 됐다는 거네요.
토모 후지타: 맞아요. 그리고 간접적이지만 코넬 듀프리의 영향이 크다고 생각해요. 『Teasin'』이라는 앨범이 있는데, 들으면 들을수록 대단하다고 생각하는 게 이펙터를 별로 안 써요. 거의 다이렉트예요. 그런데도 정말 노래하듯 연주해요. 그렇게 대단한 테크닉을 쓰는 것도 아닌데, 노래하는 방식을 정말 잘 알고 있어요.
저는 91년쯤 처음 앨범을 만들었는데, 그때는 사운드가 꽤 래리 칼튼 느낌이었어요. 상당히 찌그러진 소리였죠. 이래선 안 되겠다 싶어서 그 뒤로는 재즈를 잘 안 듣게 됐어요. 그러고 95년쯤까지는 꽤 블루스만 했어요. 그 무렵부터 제 사운드가 만들어지기 시작한 것 같아요.
메트로놈과 세션!?
ーー 다음은 리듬에 대해 여쭤보고 싶은데, 흔히 메트로놈에 맞추라고들 하잖아요. 그런데 그러면 클릭음에 맞추는 데만 필사적이 되어서 기계적이 되어버릴 때가 있어요.
토모 후지타: 메트로놈에 맞추라는 말은 확실히 맞는 말이에요. 다만 설명이 부족한 거예요. 먼저 혼자서 칠 수 있게 된 다음, 메트로놈으로 템포를 유지하는 거예요. 특히 중요한 건 칠 때 "몸이" 그루브하고 있는지예요. 제가 버클리 학생들이랑 자주 하는 건, 영상으로 1분 정도 치는 숙제를 내고 처음엔 소리 없이 보는 거예요.
ーー 소리 없이요!? 몸의 움직임을 보고 싶다는 건가요?
토모 후지타: 맞아요. 보고 있으면 아무래도 그루브를 모르는 학생이 많아요. 이게 문제인 이유는 관객이 모르니까예요. 퍼포머는 몸을 움직여서 보는 사람이 맞추기 쉽게 해야 해요.
ーー 혼자 치더라도 메트로놈보다 먼저 그루브를 중요하게 여기라는 거네요. 그 첫걸음으로서의 연습법이 있을까요.
토모 후지타: 무엇보다 중요한 건 역시 스스로 그루브를 만들 수 있게 된 다음 클릭과 맞추는 거예요. 그러면 마치 클릭이 그루브하는 것처럼 들려와요. 클릭과 세션하는 거예요.
ーー 연습하는 곡은 뭐든 상관없나요. 요즘 팝송 같은 거라든지.
토모 후지타: 뭐든 괜찮아요. 다만 가능하면 천천히 심플한 곡으로 연습하는 게 좋아요. 스윙이나 셔플 같은 거요. 16분음표 같은 건 음수가 많아서 바쁘니까 아무래도 맞는 것처럼 들려버려요. 그야말로 그냥 파워코드여도 괜찮아요.
다만 의식했으면 하는 건 멜로디예요. 리듬을 단련한 다음 혼자 연주하는 감각을 익히려면 머릿속으로 멜로디를 그릴 수 있게 하는 게 중요해요.
내 안에서 멜로디를 울려라
ーー 기타를 공부하는 데 있어 음악을 들을 때, 여러 곡을 듣는 것과 한 곡을 깊이 파고드는 것, 어느 쪽이 좋을까요.
토모 후지타: 일반적으로는 폭넓게 듣는 게 좋아요. 다만 어느 정도 타겟이 좁혀지면 한 아티스트의 앨범 하나, 곡 하나만 깊이 파고드는 게 좋아요. 애초에 옛날 음악을 듣는 방식은 레코드였으니까 앨범으로 들을 수밖에 없었어요. 그러면 자연스럽게 한 곡에서 느끼는 의미도 깊어져요. 요즘은 전부 디지털이라 금방 다른 곡으로 넘어가버리죠. 되도록 적게 고른 곡을 많이 듣는 게 좋다고 생각해요.
ーー 그게 자기 안에 정착되는 느낌이 있겠네요. 토모 후지타 씨는 음악을 들을 때 어떤 걸 생각하며 듣나요.
토모 후지타: 글쎄요, 예를 들어 저는 미국에서 일본으로 비행기 타고 돌아올 때 일본의 요즘 히트곡을 들어요. 그중에서 멜로디가 좋은 곡만 체크해요. 그 곡을 비행기 안에서 20번 정도씩 듣고 진지하게 멜로디를 따보면 재미있어요. 일본 팝은 팔리도록 계산해서 잘 만들어져 있어서, 멜로디 프레이즈가 애드리브되어 있지 않아요. 그걸 반대로 제 기타 소리에 써봐요. 기타는 너무 애드리브가 되어 있어서 귀에 안 남으니까, 팝의 멜로디 리듬을 애드리브에 살리는 거예요. 그러면 제 솔로도 명료해지거나 해요.
이런 식으로 곡을 듣고 있을 때 제 안에서 "울려" 오면 쳐보는 걸 하고 있어요. 평소에 그런 식으로 듣는 습관을 들이는 게 좋아요.
ーー 그런 식으로 귀로 카피를 하더라도 멜로디를 칠 수 있게 되는 것뿐만 아니라 코드를 이해하는 것도 중요할까요??
토모 후지타: 멜로디를 이해할 때 코드는 어떻게 되어 있는지 생각해요. 멜로디와 코드는 세트로 이해하는 것이에요. 그 위에 멜로디를 도수로 이해하는 게 중요해요. 제가 트라이어드 얘기를 자주 꺼내는데, 왜냐하면 도수를 알기 위해서는 메이저 스케일과 트라이어드를 알아야 하거든요. 도수를 알게 되면 멜로디가 좋은 곡에서 배운 도수의 아이디어를 솔로 안에 넣을 수 있게 돼요. 그게 펜타토닉의 뻔한 형태에서 벗어나는 가장 중요한 포인트가 아닐까 싶어요. 확실히 이 부분의 공부는 귀찮고 어려운 작업이지만, 이 공부 위에서 머릿속에서 멜로디가 울린다는 감각을 잡을 수 있다고 생각해요.
ーー 그렇군요. 그 공부를 정말 알기 쉽게 초보적으로 써준 게 이 『귀와 감성으로 기타를 칠 수 있는 책』이네요.
토모 후지타: 맞아요. 이 책을 제대로 읽고 이해한 사람은 실력이 늘어요. 대부분의 사람은요, 안 읽어요(웃음). 읽어도 한 번 정도. 사실은 3번 정도 읽는 게 가장 좋아요. 그 정도 읽으면 이해도가 깊어져서 아이디어가 걸려요. 그러면 효과적이에요.
제대로 정리해서 썼으니까 공부의 첫걸음으로는 최적이라고 생각해요. 전부 읽는 건 확실히 힘들지만, 몇 챕터만이라도 읽어주시면 분명 뭔가 깨닫는 게 있을 거예요.
ーー 그 공부를 함으로써 평소 자신이 연주하는 장르에서도 기초력이 올라가고, 나아가 곡의 편곡이라든지 애드리브에도 이어진다는 거네요.
토모 후지타: 정말 크게 이어진다고 생각해요. 오히려 기본이 안 되어 있으면 다음 단계로 못 가니까요.
기타를 더 자유롭게, 다음 단계로
ーー 지금까지 출판된 책, 예를 들어 『3음으로 기타를 정복하는 트라이어드 어프로치』에서는 이런 이야기가 더 깊이 다뤄지나요.
토모 후지타: 그렇죠. 버클리에서는 도수로 음정을 알고, 그것과 트라이어드를 연결해가는 걸 해요. 독학으로는 꽤 어려운 부분이고 TAB보로는 전달 안 되는 것도 많아요. 그 책에서는 토대 부분부터 트라이어드와 도수 등의 관련성을 세세하게 연습하려면 이게 좋겠다 싶은 내용을 많이 썼어요.
개성 있는 기타리스트가 되려면 역시 기본적인 공부가 중요해요. 기타리스트가 "다음 단계"로 가기 위한 책이에요.
